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¿Cuál es el texto impreso más antiguo del mundo?

Sabías que el texto impreso más antiguo del mundo recoge las palabras de Buda?

Este documento conocido como el sutra del Diamante, fue escrito en sánscrito, la antigua lengua sagrada de la India, y recopila los sermones de Siddhartha Gautama (Buda), fundador de una de las religiones más seguidas del mundo hace unos 2.500 años.
La historia de este excepcional documento así como la de su protagonista, es bastante curiosa.
¿Quién fue Buda?
 Su nombre real era Siddhartha Gautama y nació en el año 566 dentro de una familia de la realeza hindú. Se han encontrado evidencias arqueológicas de su existencia pero poco se sabe con certeza de su vida. Según cuenta la biografía mas aceptada, llena de mitos y leyendas, tras vivir entre el lujo y la riqueza con 29 años tuvo una revelación espiritual que le hizo renunciar a todo lo material, sacrificando desde entonces su vida a la meditación y la “privación total” base fundamental de su doctrina.

Esta alcanzaría una gran difusión en el continente asiático gracias a la sencillez de sus ideas. El budismo, al contrario que otras religiones, no busca una relación personal con la deidad sino que es una auténtica filosofía de vida. El individuo se convierte en su propio maestro al buscar la santidad con la meditación trascendental, la moralidad y la sabiduría, respetando todos los seres de la naturaleza para llegar a la verdad absoluta o Nirvana.
Es por tanto una nueva espiritualidad que se aleja de la creencia en un dios imaginario, puesto que Buda no es un profeta sino un ser humano, y su nombre hace referencia a “alguien que está despierto”, “alguien que ha visto la luz”, es decir un Ser Iluminado que conoce la verdad de la Vida.
Su figura se convierte en modelo a seguir para sus fieles pero en realidad, no existe adoración hacia su persona.
En cuanto a la Sutra del Diamante, por qué es tan interesante?

Porque Buda nunca dejó escritos de su doctrina, sino que sus discípulos memorizaron cada una de sus palabras transmitidas de forma oral de generación en generación. Algo muy parecido a lo que sucedió con las doctrinas de Mahoma y el Corán.

Con el paso del tiempo, de la memoria se pasó a la escritura, y fueron surgiendo las llamadas “sutra” o discursos sagrados considerados por sus fieles realmente “la palabra de Buda”. Algunas de sus historias nunca ocurrieron de verdad, pero servirían para transmitir la doctrina budista a través de metáforas que a veces son de difícil interpretación.
Suelen comenzar con la frase ” Así he oído”, expresadas en prosa y en primera persona.

File:Subhuti diamond sutra detail retouched.jpeg

Las sutras tuvieron gran difusión en el continente asiático gracias al comercio a través de la Ruta de la Seda. Un de estos discursos fue traducido a lengua china hacia el año 400 por un monje indio conocido como Kumarajiva, del que se haría una copia en el siglo IX por Wang Jie. Este es el ejemplar que ha llegado hasta nuestros días casi por casualidad.
Durante siglos la Sutra del Diamante permaneció oculta dentro de una gruta sellada en la región de Dunhuang. Este lugar, parada obligada de la conocida Ruta de la Seda, supone un impresionante conjunto religioso compuesto por numerosas cueva y templos de gran valor artístico y espiritual que fue redescubierto para la historia a principios del siglo XX. En una de esas grutas apareció intacto nuestro texto.
Compuesto por siete tiras de papel encolado, es sorprendente como fue impreso con bloques de madera tallados siglos antes de que Güttemberg inventara la imprenta. Estamos por tanto ante un documento único de gran valor, que hoy podemos disfrutar en la British Library de Londres.

Por lo que sabemos, esta joya escrita fue muy popular en su época puesto que era bastante fácil de memorizar ya que su canto apenas duraría 40 minutos.
Hay que tener en cuenta que una de las partes más importantes del ritual budista es la recitación de salmos, que ayudan al budista no solo a la meditación sino a elevar su espíritu hasta el Nirvana con la liberación del cuerpo y la mente del mundo terrenal, y este el sutra era sencillo de recitar.
Existe una importante colección de sutras, algunos de gran extensión, con nombres tan sugerentes como el “sutra de la Tierra de la Felicidad“, el “sutra de la Iluminación Dorada“, o el “sutra del Loto” este último con más de ochenta mil palabras. Todos ellos pueden leerse o recitarse de memoria para cultivar no solo la mente sino también el cuerpo y el alma, y en la mayoría de los casos es mejor hacerlo en grupo como hacen los monjes budistas para conseguir una mayor concentración.
Como curiosidad destacar que en la actualidad, el budismo tiene unos 500 millones de seguidores en todo el mundo, que ha tenido una gran difusión en los últimos años y que se ha convertido en una de las religiones más importantes.

 

Fuentes: http://www.nationalgeographic.com/ http://www.bl.uk /www.spanish.dharmadrum.org
Imágenes: Creative Commons.

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Los iberos: un pueblo de guerreros y heroes

File:Guerrero de Mogente.jpg
Los iberos que formaron un conjunto de pueblos asentados en la Península Ibérica desde el siglo V a.C hasta su completa romanización en el siglo I a.C, siguen manteniendo cierto misterio entre los investigadores porque aunque sabemos de ellos por los textos clásicos de geógrafos e historiadores como Estrabón, su escritura se mantiene indescifrable hasta la fecha, así que debemos conformarnos con el estudio de los restos arqueológicos.
Es a través de la cultura material como podemos conocer algo más de estos pueblos prerromanos y descubrimos que el mundo ibérico se presenta muy complejo, no sólo por la variedad de pueblos que lo conforman sino también por las múltiples influencias recibidas a lo largo del tiempo, sobre todo de fenicios y griegos. En un principio se les consideró como uno más de los pueblos “invasores” de la Edad del Hierro pero en la actualidad, la cultura ibérica se confirma como el resultado de una larga evolución autóctona.

¿Pero a quiénes llamamos íberos?
En realidad, son grupos regionales como los turdetanos, los bastetanos, o los contestanos que no formarían una unidad estatal sino varios centros de poder dipersos por un amplio territorio que se extiende desde el suroeste peninsular hasta más allá del Ebro. Quizás no fueran conscientes de formar una cultura homogénea, de tener una identidad como pueblo como los identificaron los griegos, pero es evidente que compartían rasgos comunes tanto en la organización del poder, como en la economía y sobre todo en la expresión artística.
El arte se convierte así en una fuente de incalculable valor para entender mejor el mundo íbero, y el estudio de la escultura y la cerámica han centrado las principales investigaciones. En el caso de la cerámica, estaba realizada en barro cocido y ya utiliza la técnica del torno desde época fenicia.
carnassier.gif (80775 bytes)Tiene una gran variedad tipológica y funcional, encontrándose piezas tanto de uso doméstico como funerario (urnas cinerarias) que suelen estar decoradas con motivos geométricos y vegetales aunque a partir del siglo III a.C, sufrieron un cambio estilístico y comenzaron a usar iconografía zoomórfica y humana coincidiendo con un nuevo contexto histórico en la península.
Por esas fechas, los pueblos iberos entran en contacto con cartagineses y romanos durante la Segunda Guerra Púnica y aumenta la romanización. Pero lo importante de estas cerámicas es que gracias a ellas podemos comprender mejor su compleja estructura social, sobre todo en aquellas vasijas de gran tamaño que los investigadores como Dr. Uroz Rodríguez consideran piezas “especiales”. El laborioso trabajo y la temática utilizada no es común, y demostrarían que fueron realizadas por encargo y con fines propagandísticos para mayor gloria de sus propietarios.

Presentan una imagen de sociedad muy jerarquizada dominada por una casta de jefes militares, prestigiosa y noble, que se distingue claramente del resto de los grupos sociales, sobre todo de los campesinos. Un buen ejemplo de esas piezas singualres lo encontramos en el llamado “Vaso de los caballeros” del yacimientos de La Serrata (Alcoi) o en la vasija de Libisosa en Albacete.

Vasija de los Caballeros de la Serrata. Siglo IV a.C. Alcoi (Valencia)
Vaso de los Caballeros. Yacimiento de Libisosa. Foto: Héctor Uroz Rodríguez

En ambas piezas se repite el mismo esquema con escenas de de caza y de lucha entre personajes masculinos, montados a caballo y rodeados de una peculiar decoración vegetal. Los invetigadores ven en ellas el reflejo de un mundo propio de creencias que aunque influídas por la presencia de otros pueblos colonizadores que usaban ya esa iconografía, no son una simple imitación porque tanto las formas como la combinación de elementos son originales iberos.

Detalle del jinete.

Predomina la representación de guerreros o caballeros, es decir, de la oligarquía dominante, y se piensa que la intención era demostrar su poder y prestigio. Una especie de publicidad encubierta donde recrean un pasado mítico, ficticio o no, al igual que hicieron otras culturas de la época a través de la escultura como en el caso de los griegos.

Las figuras masculinas luchando entre sí no son escenas sangrientas sino la representación de una “idea de lucha”, son héroes de una pintura simbólica, algo así como una lucha ritual de exhibición propia de los jóvenes de la aristocracia local.

Detalle de la Vasija de los Caballeros de La Serrata.

También en ambas piezas aparece la figura de un flautista, algo muy frecuente en otras piezas cerámicas lo que nos indicaría que la música formaba parte del ritual de la nobleza ibérica, y curiosamente el instrumentos utilizado tienen una clara influencia griega puesto que se trata de una flauta doble o aulós.

Calco de la decoración de la Vasija de los Caballeros de La Serrata. Autor: E. Cortell, Museo d´Alcoi

Como vemos en la imagen, las figuras siguen una disposición concreta mediante una especie de narración. Por ejemplo en la encontrada en La Serrata, de izquierda a derecha vemos en primer lugar una mujer tocando el aulós griego, junto a ella un hombre parece cazar un animal con lanza, a continuación varios jinetes de perfil y por último un combate entre dos caballeros. Todas las figuras se realizan de forma simplificada, con el torso de frente mientras que el rostro y las piernas se mantienen de perfil. Por la importancia dada a la figura de los caballos, podemos indicar que era un símbolos de prestigio entre la nobleza aunque su uso era minoritario.
Como vemos, la lucha y el combate son parte esencial de la iconografía ibérica y suele ser el tema central en la cerámica.

Estaríamos ante una sociedad guerrera, donde las armas tuvieron un gran desarrollo no sólo como elemento defensivo sino también de prestigio y estatus social, como evidencian los numerosos restos hallados en ajuares funerarios.

Falcata ibérica
Entre estas armas destaca la “falcata”, una de las más eficaces espadas de la antigüedad formada por una hoja curva de empuñadura cerrada que a veces se decora con animales. Además de ella, los guerreros también portaban escudos como el scutum (rectangular y ovalado) o la caetra (circular), ambos realizados en cuero endurecido, así como corazas y cascos con apliques metálicos. File:Detall del vas dels guerrers, Edeta - Tossal de sant Miquel, Museu de Prehistòria de València.JPGDe la valentía y arrojo de los guerreros íberos quedan testimonios en autores clásicos y por ellos sabemos que participaron como mercenarios junto a los cartagineses y como tropas auxiliares con los romanos. Según cuentan, los guerreros iberos realizaban una especie de juramento de fidelidad (la devotio ibérica) hacia un jefe o caudillo al que prometían defender a cambio de protección. Este tipo de contratos ya existían en otras culturas centroeuropeas y pudieran ser el origen del vasallaje feudal.
Dama de Baza. Piedra caliza. siglo IV a.C

Pero no todo estaba centrado en los hombres, porque las mujeres íberas también tuvieron un importante papel en la sociedad sobre todo aquellas que pertenecían a la aristocracia. Tenemos restos de iconografía que la presenta vestidas a la moda “orientalizante” con trajes, joyas de filigrana y peinados similares a las diosas púnicas. Las esculturas halladas en Baza y Elche confirmarían que algunas de ellas mantuvieron una función muy influyentes como sacerdotisas o diosas-madre.
El relato que nos cuenta Salustio sobre este pueblo íbero habla de mujeres que escogían para el matrimonio el guerrero más valiente y de ceremonias de casamiento con desfiles de músicos y bailarines.

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Escena de boda. Cerámica de San Miguel de Liria (Valencia)
La diosa domadora de caballos. Yacimiento de la Alcudia.
En cuanto a la religión que profesaban refleja cierta influencia oriental con la adopción del  tema mitológico de animales fantásticos de fauces abiertas y dioses alados. Un complejo mundo de creencias donde se mezclan las divinidades naturales y antropomorficas similares a las de otras zonas del Mediterráneo.

Si a esto añadimos el hallazgo de numerosos exvotos antropomórificos podemos llegar a pensar que estos pueblos practicaban una intensa espiritualidad, pero si exceptuamos los restos de algunos santuarios y las necrópolis descubiertas tenemos pocos datos y la interpretacón que podamos dar es mera especulación.
Las investigaciones siguen abiertas y se hacen nuevos descubrimentos, pero por el momento el fascinante mundo de guerreros y héroes íberos siguen guardando muchos de sus secretos.

Para saber más sobre la cerámica ibérica:

Fuentes:
Archivo Español de Arqueología.Héctor Uroz Rodríguez/
http://www.museuprehistoriavalencia.es /http://www.regiondemurcia.com /http://www.ceab.es

 

Edward Hopper: la inspiración del cine contemporáneo

Seguro que has visto esta solitaria mansión que se alza sobre una colina miles de veces. Fue utilizada por el genio del cine Alfred Hitchcok para recrear el motel de Norman Bates en su terrorifica película “Psicosis”, si te fijas esa silueta solitaria encima de la colina coincide con esta otra …

Esta fue la obra que inspiró a Hitchcok para su motel aunque nunca lo reconocería. Se trata de un cuadro de Edward Hopper llamado “House by the railroad” de 1925.

Ambas mansiones se nos presentan aisladas, imponentes y solitarias. Sus fachadas tienen algo más que un parecido razonable, hay numerosos ventanales, algunos de ellos cerrados, y las dos parecen inquietar al espectador desde la distancia.El mismo tipo de mansión podemos verlo en otras tantas películas como ocurre en “Gigante” de George Stevens o en Dias del cielo de Terrence Malick

Fotograma de Gigante, 1956 dirigida por George Stevens

Días del cielo
Fotograma de “Dias del cielo”, 1978 Terence Malick

 

Curioso verdad? Pero quién fue este pintor que ha servido de inspiración al cine en tantas ocasiones?

Edward Hopper fue un pintor norteamericano identificado como uno de los principales representantes del Realismo del siglo XX, cuyas obras se han convertido con el paso del tiempo en referencia de la soledad de la mundo actual y fuente de referencia del cine moderno. 
Su cuadros nos presentan imágenes enigmáticas y los anónimos protagonistas -en mucha ocasiones ni siquiera vemos sus rostros- aparecen solitarios, como atrapados en espacios urbanos llenos de melancolía.

Habitación de hotel, Edward Hopper
Habitación de hotel, 1931

Hopper fue contemporáneo de Picasso y Giacometti, sin embargo su influencia se debe a los autores ya clásicos como Degas y Manet a los que estudió en su viaje a Europa. No se dejaría arrastrar por las Vanguardias y consiguió crear un estilo propio y definido, impregnando a sus cuadros de una atmósfera contemporánea. 
Su producción artística fue muy escasa -aunque su influencia posterior ha sido enorme- y debemos conformarnos con unas pocas telas donde recrea temas muy cercanos a nosotros: ciudades, bares, hoteles, estaciones de tren… donde mantiene el tono taciturno y de quietud que le caracteriza.

hopper-automat
Autómata, 1927. Eward Hopper
 
Comportamiento C. Edward Hopper

 

Esta forma de pintar atrae desde el primer momento al mundo del cine. Sus escenas parecen sacadas de un storyboard original, son como fotogramas de una película muda donde la realidad aparece simplificada en formas y volúmenes y los personajes no se tocan ni dialogan entre sí. El espectador asiste a un momento “congelado” en el tiempo, donde todo está en silencio y los protagonistas parecen estar esperando que suceda algo: miran por una ventana, esperan sentados,…Hombres y mujerse aparecen aislados, en habitaciones de motel vacías donde la luz se convierte en un recurso casi fotográfico. Ese efecto dramático de fuertes contrastes entre luces y sombras es su marca personal.
Hopper pinta lo que no se ve, la atmósfera que rodea sus cuadros puede palparse, asfixia y oprime a los personajes y es capaz de transmitirnos esas sensación al observarlos.

Digestión filosófica, Edward Hopper, 1959
 

Estos característicos recursos pictóricos sirvieron de inspiración al cine  -sobre todo en el cine negro americano- así vemos que sus encuadres y misteriosos personajes ajenos al espectador, aparecen en el trabajo de numerosos directores.

Hitchcok lo utilizó de nuevo en “La ventana indiscreta” donde el protagonista se dedica a observar a sus vecinos.
Imagen de La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock. Proyecto 3CMCV


Si te fijas hay una clara influencia de la obra “Habitación de hotel en Nueva York” de 1932 o de “Night Windows” de 1928

Habitación de Nueva York, 1932. Edward Hopper
Night Windows, 1928

 

Pero la inspiración entre cine y pintura fue mutua, puesto que Hopper era una gran cinéfilo y solía visitar las salas de cine casi a diario, así nos cuenta que “cuando ya no podía pintar me iba al cine durante una semana o más”…
Además su gusto por la literatura norteamericana quedó reflejada en su conocida obra “Nighthawks” inspirada en un cuento de Hemingway -The Killers- Dos sicarios tienen el encargo de matar a un exboxeador, la escena en la barra del bar es el preludio de la tragedia.

Nighthawks, 1942 by Edward Hopper
Nighthawks. Edward Hopper

 

El mismo tema fue filmado por Robert Siodmak en su obra “Forajidos” de 1946 protagonizada por Ava Gardner y Burt Lancaster.

Escena de The Killers, R.Siodmak

Y hay más ejemplos en el cine actual que toman como modelo a Hopper, como podemos ver en “Malas tierras” de Terence Malick 

“El amigo americano”  de Wim Wenders, Terciopelo Azul de David Lynch, Camino a la perdición  de Sam Mendes o “El poder del mal” de Abraham Polonsky entre otros.

El amigo americano : Foto Dennis Hopper, Lisa Kreuzer, Wim Wenders
El amigo americano (Win Wenders)
El poder del Mal (A. Polonsky, 1948)
 
http://los35milimetros.files.wordpress.com/2013/02/bluevelvet-piso1.jpg
Terciopelo Azul (David Lynch 1986)
 

A veces nos encontramos ante un copia casi exacta de su obra como le ocurre al director Win Wenders que sería el más influenciado por el artista. No sólo recrea ese mundo solitario en sus películas sino que le sirven como modelo para su producción fotográfica.

De nuevo se unen cine, pintura y fotografía como un todo inseparable.

Early Sunday Morning, 1930. Edward Hopper  
Win Wenders. Street Front in Butte, Montana 2000
Courtesy: Anthony d’Offay, Londres
Wender llegaría a decir que “hay sitios en Estados Unidos que pones la cámara y te sale un cuadro de Hopper”
Incluso la televisión no ha escapado de su poder de atracción, así la serie convertida en un clásico de la televisión “Mad Men”, recrea personajes del mundo Hopper que se han convertido en clásicos. El cine le debe mucho a Edward Hopper y gracias a esa relación el pintor se convierte en un icono del siglo XXI.
Si quieres conocer otras obras de este interesante artista, pulsa el enlace… Museo Thyssen
http://macguffin007.files.wordpress.com/2012/07/gas.jpg
Gas, 1949. Edward Hopper
'Office at Night'
Office at Night, 1940
Fotograma de la serie Mad Men
File:Edward Hopper - Living Up to Your Employment System.jpeg
Living Up to Your Employment System, 1913. Eward Hopper
mad men
Fotograma de la serie Mad Men

Cuál es el cuadro más robado de la Historia?

Uno de los cuadros más robados de la historia del arte es el Políptico del cordero místico obra de los hermanos Jan y Hubert van Eyck del siglo XV y que actualmente puede verse en la Catedral de Gante (Bélgica).
Las tablas de esta enorme composición han sido falsificadas, despezadas e incluso robadas durante años. Hoy en día todavía está desaparecida una de las tablas inferiores desde1934, cuando un desconocido la robo sin que todavía se tengan noticias de ella.
Entre los ladrones más famosos de la obra, se encuentran Napoleón e incluso el propio Adolf Hitler, ambos como sabemos muy aficionados al saqueo de obras de arte en los territorios que conquistaban. Muchas de las obras de museo europeos tienen una dudosa procedencia gracias a esta injusta costumbre.


El Políptico es considerada una de las pinturas flamencas más destacadas y tiene una gran complejidad religiosa. El tema principal le da su nombre: La adoración del cordero místico, que se sitúa en la tabla central. A ambos lados aparecen Dios padre, rodeado de la Virgen y San Juan Bautista, justo encima de ellos se encuentran Adán y Eva, como símbolos del pecado original del que nos salvará la sangre de Cristo. En la parte posterior del políptico, las tablas que lo cierran representan La Anunciación de la Virgen y a los donantes que encargaron la obra, un matrimonio de ricos burgueses.

La forma de representación es un político, es decir, un retablo compuesto de varias tabas superpuestas cada una con una escena independiente. Se solían colocar en el altar, manteniéndose cerrado durante la mayor parte del tiempo. Sólo en época de festividades se abría para contemplar las escenas principales. 
Esta enorme obra tuvo que ser despiezada para evitar su destrucción durante las guerras de religión que sufrió Europa durante el siglo XVI. Más tarde, fue traladada a Paris por los franceses como “trofeo de guerra” y es en 1800 cuando algunos de sus paneles fueron divididos para ser vendidos por separado.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la obra estuvo oculta en una mina de sal junto a obras de Rafael, Miguel Ángel o Rembrandt. Finalmente la obra pudo ser rescatada por los aliados tras finalizar el conflicto.
La obra no está completa. Todavía no se ha recuperado el panel lateral izquierdo y en la actualidad sólo se puede ver una copia. Muchos especialistas creen que la obra ha sido destruída aunque algunos todavía mantienen la esperanza de recuperar el original.

Fuentes:
www. elpaís.com
Manual “Historia del Arte” VVAA (Jose Antonio Ramírez). SM



Un grito desesperado

¿Cuántas veces has visto este cuadro? Seguro que te suena pero, te gusta? ¿Sabes realmente qué quiso decirnos el artista?
Cuando hablamos de Arte tenemos que pensar en algo subjetivo. No todas las obras que los críticos de arte consideran bellas realmente nos lo parecen y en muchas ocasiones, incluso las vemos horribles. 
Hoy vamos a probar con este cuadro.
Da miedo, verdad? Esa figura extraña y terrorrífica que parece gritarnos desde dentro de la escena puede atemorizarnos. No suena su voz, pero seguro que somos capaces de escuchar su grito.
Es una obra de Eduard Munch, llamada “El Grito” de1893 y se encuentra dentro de la corriente artística del Expresionismo. La escena representa un momento vivido por el propio artista, famoso por utilizar su pintura como forma de curar sus miedos e inquietudes, y que nos cuenta así:
“Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza”…
(Fuente: Grandes pintores del siglo XX. Ed.Globus)
Podemos notar ese dolor y deseperación del artista en el rostro casi cadavérico de la figura central y en su técnica de pinceladas violentas llenas de color y movimiento que la enmarcan.
Sea lo que sea lo que el autor vivió en ese puente, nos inquieta y perturba.
Eso es el arte. No tenemos que sentir lo mismo que otro espectador, porque en el arte “todo vale”. Todos podemos convertirnos en críticos ante una obra, sin ser un experto y sería justo. Pero… sí al ponernos delante de un cuadro sentimos su fuerza podemos estar seguros que en ese momento estamos “sintiendo el arte”.
Si quieres saber más sobre el autor puedes visitar este enlace: Geohistoria-Arte
Fuentes utilizadas:
Imagen Museo de Munch en Oslo

El Leonardo perdido

Copia de la batalla de Anghiari realizada por Rubens
En los últimos años se han hecho increíbles descubrimientos artísticos, uno de los más famosos estos días, es el hallazgo de una obra de Leonardo da Vinci que ha permanecido oculta durante 500 años. Algo que parece increíble pero que demuestra que a veces la suerte puede darnos gratas sopresas.
Todo sucede en Florencia, en una de las salas del Palacio Vecchio (sede del ayuntamiento) donde unos científicos liderados por Maurizio Seracini han descubierto el fresco oculto tras otra obra del también famosos artista Giorgio Vasari.El proyecto es muy controvertido puesto que no toda la comunidad científica está de acuerdo en destruir la obra de Vasari para sacar a la luz el Leonardo y el debate adquiere tintes políticos. Así el alcalde de Florencia, ha declarado que a pesar del riesgo de perder parte de la obra de Vasari,“Si hay que elegir, elegiría a Leonardo”.
La obra de la que estamos hablando es el famoso fresco de La Batalla de Anghiarique conmemora la victoria de Florencia sobre su tradicional rival Milán. A principios del siglo XVI, se encarga a Leonardo realizar la obra en la que pinta varios jinentes luchando con fiereza.Hizo varios bocetos preparatorios que todavía se conservan e incluso pudo ser observada por artistas como el propio Rubens, que hicieron copia del original.Sin embargo, la pista sobre el fresco de Leonardo se pierde cuando en 1563 se realizan obras de remodelación en la sala donde se situaba. Se encarga a Giorgio Vasari la realización de otro fresco conmemorativo: La batalla de Marcianoque debían ocupar el lugar de la obra de Leonardo.Pero sabemos, que Vasari era un gran admirador de la su predecesor y no estaría dispuesto a destruir su obra.Según los investigadores, para preservar el antiguo fresco, Vasari levantaría una nueva pared justo delante donde realizaría el nuevo encargo. Esto habría evitado la destrucción del Leonardo hasta nuestros días y lo ha mantenido oculto a los ojos de la historia del arte.

¿Pero cómo se ha descubierto ahora?
En parte gracias a la perseverancia e intuición de Maurizio Seracini, que según sus propias palabras: “No hallaba ningún documento que indicase que había sido destruido, así que tenía que estar allí”
Su intuición le llevó a pensar que la mejor manera de ocultar un fresco de enormes dimensiones es “detrás” de otro de mayor tamaño. Esto dirigió su mirada a la obra de Vasari, allí advirtieron restos de pigmentos similares a los utilizados por Leonardo en unas grietas ya existentes en la obra.Además encontró otra pista reveladora dejada por Vasari en su propia batalla. Allí en una escena del fresco, dejó escrita una misteriosa frase “Cerca trova” (el que busca encuentra). Según Seracini, es evidente que Vasari nos está llamando a buscar la obra perdida. Pero algunos historiadores de arte son escépticos y creen que el fresco de la batalla de Anghiari probablemente quedó destruido antes de que Vasari pintara su obra.

Sin embargo, los investigadores del proyecto no dudan “No podemos decir hoy cuál es el estado de conservació del Leonardo. Eso depende de posteriores investigaciones y exploración. Lo que quede del Leonardo estará detrása de la pared”.
Los materiales y el radar han demostrado que destrás del Vasari existe otro fresco. El debate está en cómo sacarlo a la luz!

Fuentes:www.europapress.es (Reuters:13/03/2012)
Video Youtube

Un nuevo Van Gogh

Es noticia estos últimos días el descubrimiento de una nueva obra del reconocido pintor,Vicent Van Gogh .
Al parecer, se ha identificado como suya un bodegón con flores, Naturaleza muerta con rosas y flores de campo, fechada en 1886.

El lienzo es complejo, puesto que bajo la aparente sencilla jarra de flores, Van Gogh, habia pintando anteriormente una escena de lucha libre con dos hombres.

Tenemos constancia de ello en palabras del propio pintor cuando escribió a su hermano Theo “Esta semana pinté algo grande con dos torsos desnudos, dos luchadoresTorsos desnudos de luchadores sobre los que se pintó el bodegón

Sin embargo, como es común en muchos artistas, pronto se arrepintió de su obra y decidió pintar encima el bodegón. Por lo tanto, estamos ante un cuadro dentro de otro, y ambos del genial artista.

El descubrimiento de la nueva obra, no se hizo hasta 1998, cuando los especialistas advirtieron restos de pintura anterior en el fondo de la escena.Con la ayuda de rayos X se han confirmado las sospechas. Ahora podemos afirmar que estamos ante un nuevo Van Gogh.
La obra fue comprada por el museo Kröller-Muller de Holanda, en 1974 sin saber que había adquirido una de las escasas obras del codiciado artista.Actualmente sigue en su colección.
Según los expertos, no hay duda: ” la pincelada vibrante del artistas es irrepetible“.


Noticia adaptada http://www.europapress.es (21/03/2012)
Imágenes:
http://www.canalhistoria.es
http://www.elmundo.es

Una mirada de 360º

Quieres sentir la sensación de volar como un pájaro sobre estos increíbles monumentos?
Pulsa sobre las imágenes que tienes a continuación y podrás tener una
visión panorámica de 360º.de impresionantes monumentos como el Machu Picchu en Perú, la Gran Muralla en China, la ciudad perdida de Petra en Jordania, El Coliseo de Roma, el Cristo de Corcovado en Río de Janerio, Chitchén Iztá en México y el Taj Mahjal en la India.
Es como si estuvieras allí. Espero que lo disfrutes!


Fuente utilizada:
www.panoramas.dk

Obras de Arte robadas

La Gioconda (Museo del Louvre)
Uno de los robos más famosos ocurrió el 21 de agosto de 1911, cuando la obra maestra de Leonardo da Vinci, la Gioconda o Mona Lisa, pintada entre 1503 y 1506, desapareció del Museo del Louvre en París. Aunque recuperado dos años más tarde en Florencia, el móvil del robo todavía no ha sido aclarado.

El ladrón era un obrero italiano,Vicenzio Peruggia, que había trabajado en el museo de donde logró sacar la famosa pintura con gran facilidad. Según contaría actuó en solitario y su intención era devolverla a su país de origen, Italia, de donde creía había sido robada.

Fue detenido en Florencia cuando intentaba venderla a un anticuario, Alfredo Geri, quien termina alertando a la policía.   

Pero éste robo no queda aclarado con la recuperación de la obra. No se conoce todavía el “autor intelectual” del mismo e incluso fueron sospechoso algunos de los artistas de la época como el poeta francés, Guillaume Apollinaire, interrogado por la policía, o el mismo Pablo Picasso. Ambos eran destacados activistas contra los museos oficiales y se pensaban, podían estar interesados en destruir la obra.


Otras personas fueron acusadas también del robo como el aristócrata argentino, Eduardo de Valfierno, que había hecho hasta seis copias falsas de La Gioconda para estafar a algún millonario. Sin embargo, Jerôme Coignard, autor de “Una mujer desaparecida. El robo de la Gioconda en el Louvre en 1911” cree que el artífice fue Otto Rosenberg, un famoso alemán traficante de arte.

En cuanto a la presencia de La Gioconda en Francia, fue el propio Leonardo el que la trajo consigo desde Italia cuando entró a trabajar en la corte de Francisco I (1452-1519) quedando desde entonces en su colección privada.

El robo de obras de arte sigue siendo constante en nuestros días. Si quieres saber más sobre los más famosos de los últimos años entra en la página de INTERPOL donde podrás ver la relación de obras de arte desaparecidas hasta la fecha:

Texto adaptado de http://www.larazon.es (EFE 20/08/2011)
Imágenes: Wikipedia

Los hermanos Lumiére

“La llegada del tren”
Esta película se proyectó por vez primera en 1895 y fue posible gracias al desarrollo de la fotografía. La primera que se hizo fue en 1822, es decir 73 años antes por el francés Niepce, que utilizó una cámara oscura y un papel impregnado en sales de plata, las sales de plata se oscurecen al reaccionar con la luz, por lo que la primera fotografía fue, en realidad un negativo, que se oscureció con la luz segundos más tarde. 
El que consiguió fijar la imagen fue finalmente otro francés, Daguerre, que se apuntó la patente de la invención de la fotografía.
Cuentan que los espectadores salieron corriendo de la sala al ver aproximarse el tren directamente hacia ellos. No se había visto nada igual hasta entonces.